C’è un dibattito vecchio come il mondo: scienza e filosofia sono condannate a ignorarsi per - diciamo - costituzione oppure ci può essere un punto di incontro? Sono rette parallele o incidenti? Mentre aspettate una risposta dalle eminenze deputate, un problema simile, anche se più piccolo, è stato appena risolto alla Galleria Art To Design di Bologna: arte e industria sono condannate, pure loro, a ignorarsi?

Assolutamente no. Dal 29 settembre al 23 ottobre 2010, in occasione dei Cersaie, ARMA (Architectural Materials) presenta Traits Essentielles del collettivo canadese di design e architettura Samare. La loro nuova collezione è ispirata all’avventurosa storia canadese e basata sulla giustapposizione di materiali contemporanei e di tecniche artigianali, con aggiunte di materiali naturali come pietra e legno, per bilanciare la tradizione, la modernità e la produzione industriale.

L’incontro tra industria e arte allora non ha solo importanza epistemologica: al contrario instaura un dialogo che costituisce una (almeno in apparenza) convincente soluzione all’ormai cronica assenza di sostegno e fondi allo scenario culturale.

Samare è un collettivo di 4 architetti-designer con base a Montreal: Laurie Bedikian, Nicolas Bellavance Lecompte, Mania Bedikian, e Patrick Meirim de Barros. L’equipe elabora elementi d’arredo tradizionali della cultura canadese trasformandoli in oggetti contemporanei. Prendendo il nome dal seme elicoidale dell’acero che cade compiendo una “evoluzione” su se stesso, lo Studio si propone come una “Semente” atta a sviluppare le nuove apprensioni del design canadese sorpassando cliché tradizionali iconografici.

Jacopo Cirillo

Il danese Thomas Wagner, ad esempio, ha presentato Climate Station: un ventilatore e un radiatore di dimensioni ridotte, che possono aiutare a regolare la temperatura di qualsiasi ambiente. Realizzati in plastica e alluminio questi due piccoli elettrodomestici hanno le prese della corrente integrate direttamente nella struttura e sono per questo privi di cavi. Le dimensioni ridotte permettono di sistemarli dopo l’utilizzo in qualsiasi armadio.

Una regola che seguono i designer presenti all’esposizione è quella di costruire oggetti utilizzando meno pezzi possibili per accentuare l’idea di semplicità che vogliono trasmettere. Di questo genere sono la penna di Luka Stepan e il portafoglio minimale di David Sutton.

Benedetta Bagni

Nella capitale tedesca l’estate incomincia con il Dmy, festival internazionale della creatività che trasforma in questi giorni gli hangar dell’ex city-airport di Tempelhof in un grande “fuori salone” di 11.000 metri quadrati. Sono oltre 400 i progettisti e i gruppi selezionati, nomi affermati e talenti emergenti: tra questi i dieci finalisti del Dmy Award 2010. Alcuni di loro li avevamo già incontrati a Milano in Zona Tortona, durante la Design Week di aprile.

Dal mobile alla videoinstallazione, i lavori presentati a Berlino, nella mostra principale e negli eventi collaterali sparsi per la città, appartengono ai generi più diversi. Un denominatore comune lo si ritrova però nella sperimentazione su materiali come bioplastiche e metalli; e nell’esplorazione delle tecnologie multimediali applicate al design.

Sotto i riflettori è quest’anno la Svizzera, con oltre 20 partecipanti tra cui molte scuole specializzate. Come l’Epfl e l’Ecal di Losanna, che hanno collaborato a un laboratorio per scandagliare le possibilità creative della realtà aumentata. Il progetto si chiama “Give me more”. Nelle opere di visual design degli studenti, la sovrapposizione di scene reali ad altre virtuali, materializzate dal computer, accresce oltre i limiti le potenzialità dell’occhio umano. Attraverso il filtro del monitor si può così sperimentare una nuova percezione degli oggetti: le pagine dei libri si animano di figure tridimensionali e interattive, le teste si immergono nelle nuvole… oppure si può entrare, con effetti molto realistici, nell’universo dei cartoon.

Eleonora Poli

La Tolomeo è una canna da pesca, la Noto un cannocchiale, il diffusore della Perseo il favo di un alveare, la Oceanic un serpente d’acqua che nuota: l’anima delle più celebri creazioni luminose di Michele De Lucchi è svelata, e liberamente interpretata, dai disegni di una piccola biografia per immagini (ed. Corraini) dedicata al designer ferrarese. Giocando un po’ con ciascuno di questi pezzi ormai classici, l’illustratore Steven Guarnaccia ci spinge a guardarli in un modo non convenzionale; e li rende così ancora più familiari e inconfondibili.

Ma anche dietro sedute, tavolini e vasi si nascondono motivi ispiratori che hanno le sembianze di piante, animali oppure… di un pianeta con i suoi satelliti, magari, come nel caso della sedia First, progettata nel 1983. Al centro delle idee ci sono spesso forme inedite e nuove funzioni proprio perché, sostiene De Lucchi, “il design a differenza dell’architettura spinge all’ironia, alla confidenza con gli oggetti”.

Completa il libro un’intervista con Cristina Didero, in cui il progettista ripercorre alcune tappe fondamentali della sua esperienza. Non può che cominciare dal rapporto, strettissimo, con Sottsass e Castiglioni: “Ettore e Achille, come nel poema omerico” restano i due personaggi di riferimento. E poi gli anni ’70 e ’80 a Milano, Alchimia e Memphis, gli incontri con Gio Ponti; e le collaborazioni con tante aziende italiane diversissime tra loro, da Artemide a Olivetti; fino alla nascita di “Produzione privata”, la sua impresa.

Alla base del progettare, una convinzione: che la nostra vita è fatta di cose e che il buon design può cambiare le cose in meglio.

Eleonora Poli

Sull’ultimo numero in edicola di Bravacasa c’è un reportage vero fatto da coloro che al Salone del Mobile hanno visitato fiera, partecipato a eventi, apprezzato spazi e location. Un ripasso? Anche, ma soprattutto un approfondimento visto che molte cose pubblicate, spesso vengono recensite da “cartella stampa” e scusate se francamente dico che così non va.

Bisognerebbe davvero tornare tutti ad una misura: le agenzie coinvolgano quando effettivamente c’e’ qualcosa da dire, i progettisti si facciano intervistare quando hanno qualcosa di vero da raccontare, le aziende, beh, quelle hanno una missione che è produrre e a loro e al loro impegno l’augurio di aver chiara la strada e non necessariamente ripetere quanto è già stato fatto da anni solo perché lo si fa da tempo. Coraggio di cambiare e coraggio di dire se le cose non convincono.

Aspettando i mondiali, case sudafricane, e spazi all’aperto per godersi il sole che verrà. E poi delle gran belle ricette, quelle di Moscheni che fanno gusto anche solo a vederle, e le Ani-malie per la visione a quattrozampe.

Rosanna Brambilla

Che cosa resterà delle installazioni? Espressioni rappresentative dell’arte contemporanea, certo, riflettono però anche le incertezze della nostra epoca e il suo spirito mordi e fuggi.  “Monumenti effimeri” (di Barbara Ferriani e Marina Pugliese, appena pubblicato da Electa) è una riflessione per parole e immagini su tutte queste architetture, composizioni, sculture, esperimenti multimediali, per definizione temporanei eppure spesso così strettamente legati ai luoghi.

Ci sono i “monumenti impacchettati”, le realizzazioni fatte su misura per il museo o la galleria in cui sono collocate, le videoinstallazioni, le forme d’arte per luci e suoni…

Alla fine del volume viene presentato un progetto di ricerca, promosso dal Museo del Novecento di Milano e dal Parc di Roma, su alcune installazioni emblematiche che si sono guadagnate un “posto fisso”, considerate ormai a tutti gli effetti tracce “sensate e leggibili” del presente. “I Sette Palazzi Celesti”, per esempio, realizzati da Anselm Kiefer per l’Hangar Bicocca di Milano: sette torri in cemento e piombo alte 18 metri, apparentemente instabili, appoggiate su un terreno deserto, in una sorta di paesaggio post-atomico. Davvero imponenti nella loro precarietà.

Eleonora Poli

Gallerie d’arte, studi di architettura, ristoranti alla moda hanno preso il posto di vecchie fabbriche abbandonate e capannoni in disuso per dare una nuova vita al quartiere di Clerkenwell a Londra. Tra Farringdon road e Roseber le strade sono affollate di gente a ogni ora. Qui ad esempio si trova il quartier generale di Alexander McQueen e qui si è trasferita di recente l’architetto Zaha Hadid a dimostrazione della vitalità di questo luogo.

Dal 25 al 27 maggio il quartiere ospita un importante evento dedicato alla creatività, la Clerkenwell Design Week: oltre sessanta designer si danno appuntamento nello spazio post-industriale del Farmiloe Building (una delle location del recente film di Sherlock Holmes) situato in St John street tra seminari, workshop e dibattiti.

Questo festival è anche una vetrina per chi vuole lanciare sul mercato prodotti esclusivi e idee innovative e originali. Tra i partecipanti ci sono marchi inglesi come Tom Dixon e Mark e internazionali tra cui Cappellini, Poltrona Frau e Moroso. Ogni sera durante i giorni della manifestazione questo distretto londinese sarà invaso di musica, spettacoli e feste. Il Clerkenwell Design Week è il luogo giusto per farsi ispirare e confrontarsi con altri designer e creativi.

Benedetta Bagni

Non passano qui inosservati gli sgabelli con le orecchie realizzati da cappellini in collaborazione con Walt Disney o la collezione di poltrone vintage disegnate da Patricia Urquiola per Moroso che ricordano le abitazioni americane degli anni ’50 oppure le sedute realizzate da Cini Beri e Guglielmo Ulrich per Poltrona Frau.

Benedetta Bagni

Dopo l’ultimo Salone, anche gli armadi ormai, hanno un’identità domestica più ricca, polivalente: chiamati per tradizione a contenere, oggi sono sempre molto funzionali, certo, ma con in più una forte vocazione ad arredare per la semplice ragione di essere lì, e non solo necessariamente in camera da letto, forse è anche meglio altrove. Così li vedi di più.

Grazie poi a materiali e finiture sempre più perfezionati, a sistemi di aperture tecnologicamente avanzati, alla componibilità, agli interni sempre meglio organizzati, versatili e flessibili, che dire?, fanno il loro bell’apparire, con discrezione, però, come si conviene (dovrebbe convenire) alle presenze più ingombranti.

Ai modelli con le sempreverdi ante battenti si sono affiancati quelli con le ante scorrevoli. Talvolta basta un touch per farle scorrere, come per magia, silenti ed eleganti, ideali per guadagnare spazio in più. Ci sono poi armadi che, pur appartenendo a una stessa versione, si declinano in soluzioni diverse appunto per aperture delle ante, finiture, maniglie e quant’altro.

Un esempio recente, viene da Molteni che, nella rinnovata versione del Gliss 5th, ti fa scegliere tra Trim, Stripe, Square, Wave e LG4… e poi… e infine…

BASTA CON LO SCEMPIO DELLE PELLICCE, DI QUALSIASI SPECIE, PER QUALSIASI UTILIZZO, A OGNI LATITUDINE E GRADO. MOLTE SPECIE SONO ORMAI A RISCHIO ESTINZIONE E NON VOGLIAMO CHE SIANO ALLEVATI PER ESSERE POI UCCISI PER SCOPI COMMERCIALI.

Ilaria Moschino

Rosanna Brambilla

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Dagli oggetti alle parole il passo può essere breve. Lo pensa da sempre, il designer Fabio Novembre, e per comunicare le sue intuizioni si affida questa volta alla carta stampata. In un libro-conversazione, “Il design spiegato a mia madre” (Rizzoli), dove risponde alle domande, anche scomode, della teorica dell’arte Francesca Alfano Miglietti.

Una confessione non vede l’ora di farla: progettare gli riesce facile; il difficile è spiegare, alla mamma o a chiunque altro, come si sia potuto concepire un tavolo con 171 gambe (parliamo di Org, disegnato nel 2001 per Cappellini) e che senso ha avuto… Una spiegazione forse non c’è. Le sue opere, sottolinea Novembre, non si sviluppano ma si manifestano, esplodono; lo stesso deve essere per chi guarda: amore a prima vista. Il progettista osa, abbatte le distanze, ma deve farlo anche il pubblico. Così, “a forza di fare passi più lunghi della gamba, finisce che le gambe ti si allungano davvero!”

Eleonora Poli